Coldplay y sus Trabajos Discográficos

Primero nos deslumbraron con Trouble en el año 2000 con esa balada tan hermosa, el triste piano de Chris Martin y los arreglos musicales de Jon Buckland.
Comenzaron todas estas geniales canciones como fueron: Yellow, Shiver, Everything’s not Lost y Truoble en el primer LP de la banda llamado “Parachutes”, que a mi gusto es el mejor de la discografía.

Comenzaba el siglo 21(XXI) y Coldplay llegaba con un camión lleno de ideas y rock piola como lo he denominado o brit pop, ya que sus melodías comenzaron siendo exquisitas, aunque más adelante igual experimentarían con algo un poco más power(no me refiero a pesado), con canciones como “Yellow”, “God Put a Smile Upon Your Face” y “Square One” entre otras, nombrando una de cada disco, tomando en cuenta que su escencia como banda es algo bien(no sé como explicarlo) se podría decir que suave en melodías, ritmos y demas cosas musicalmente hablando.

Lo mejor de todo fue que después de 2 años se presentaron nuevamente al publico, a través de disquerías, Internet y medios varios con un nuevo trabajo discográfico llamado “A Rush of Blood to The Head” (2002) que nuevamente impactó al mundo entero con tan geniales trabajos musicales y arreglos. Era para pensar que Coldplay sería una de las mas grandes bandas contemporáneas de rock, porque Clocks, In My Place, Warning Sign y muchas otras consolidaron plenamente al grupo liderado por “Martin”

Ahora escribiré un paréntesis… se podría decir que es un datillo o cuña.
(Sabían que el batero llamado Will Champion sabía tocar el bajo, la guitarra y el piano, pero no la batería. Aprendió rápidamente a golpear los tambores, ya que necesitaban a alguien en los tarros, porque estaban los cupos listos en los otros instrumentos).

Tres años después aparecería en las radios mundiales el single “Speed of Sound” de lo que sería su nuevo disco, llamado “X&Y” (ecs and guai) con una de sus canciones más hermosas llamada “Fix You” y otras como “Talk” y “Square One”.
Aunque Coldplay sea una de las mas grandes bandas inglesas y teniendo 2 discos anteriormente que deslumbraron al mundo entero, todos pensaron en lo que se vendría sería el clímax, aunque no lo fue, igual se destacan muchas canciones, pero no como en Parachutes ni el A Rush of Blood to The Head.

Hay que destacar que para finales de este año 2007 hay un nuevo trabajo anunciado, después de la gira latinoamericana que los trajo a Chile, Argentina y otros países. Oficialmente anunciado en su web, ya que se ha postergado desde el 2006.

Para concluir con esta genial banda de la generación 2000 los dejamos con el mayor éxito a lo largo de su carrera; “Trouble” a continuación para reproducir en Ecos del Rock blog.

Treinta Segundos a Marte

Estoy viendo una de las tantas repeticiones de los Video Music Awards Latinoamérica 2007 (el nombre de los premios se llevó como la mitad del párrafo) y acaba de pasar la presentación de Treinta Segundos a Marte con Ely Guerra al final, qué cosa más emocionante. Yapo así que ahora quiero hablar sobre esta banda porque los amo desde el primer momento en que los escuché.

La banda se llama 30 Seconds To Mars, son gringos, tocan rock alternativo y la conforman Tim Kelleher (bajo), Tomo Milicevic (guitarra y teclado), Shannon Leto (batería) y su hermano Jared Leto (guitarra y voz) a quien amo profundamente y dejo el siguiente mensaje: Jared, si alguna vez lees esto, te digo que eri mi amor platónico y amo tu maquillaje y cásate conmigo ahora!

En fin, el primer álbum de la banda (homónimo) se lanzó el 2002 y su primer single fue “Capricorn (A New Brand Name)” y la verdad es que no tuvo tanto éxito pero sí llegó al lugar número 31 en el ranking de rock de USA (de Billboard). Aparte de eso, no es mucho aporte el que tiene en la vida del ser humano común; ahora, en mi vida igual tiene cierta relevancia pero no tanta tampoco, lo que pasa es que este álbum tiene canciones súper buenas como “Echelon” (que además de ser un tema excelente, es la denominación que tienen los seguidores de la banda) de hecho el track fue creado para ellos como agradecimiento por su fidelidad y todo eso. “End of the Beginning” también está dentro de las mejores del álbum junto con “93 Million Miles” que como dijo mi hermano: son re hartas millas.

A Beautiful Lie es el nombre del segundo álbum lanzado en agosto del 2005 y también es el nombre de una canción del álbum. En mi opinión este disco es el mejor de los dos, digo musicalmente es genial y más power que el anterior, pero también tiene esas melodías que te dejan como con el nudo en la garganta (a mi al menos). Tengo un par de canciones favoritas como “I’ll Attack”, “From Yesterday” (single cuyo video está basado en la película El Último Emperador), “R-Evolve” (mi favorita) y “The Kill” (que es mundialmente amada y cuyo video está basado en un film de Stanley Kubrick: El Resplandor). En el álbum encontramos la canción “Hunter” que quizás te suene conocida por el nombre de una canción de Dido o Björk y en realidad es un cover de nada más y nada menos que de la mismísima Björk (lo siento Dido, sigue participando), buen track.

Ahora me toca explicarles brevemente los significados de los logos de la banda ¿ya? En el primer álbum crearon a Mythra (Phoenix) que tiene cuatro jeroglíficos que en realidad quiere decir 30 Seconds To Mars y abajo la frase "Provehito in Altum" que significa algo así como "Lanzarse hacia lo profundo". El segundo logo lo ocuparon para el álbum A Beautiful Lie, éste se llama “Trinity” que tiene tres calaveras igualitas y tiene estratégicamente ubicados los mismos jeroglíficos del álbum anterior y el lema. Ingeniosos los cabros.

Ya, ahí te dejo el tema “From Yesterday”. Enjoy!

'Grand Funk Railroad' en vivo!

Grand Funk Railroad se viene con toda la carga de riffs, punteos y vibratos en un excepcional video de "Heartbreaker" en vivo del año 1974.

Sin dudas que no podemos dejar de verlo, ya que está en la historia de la música, o se podría decir que si no conoces esta canción, no conoces el rock clásico como dijo Homero Simpsons.
gracias youtube nuevamente por regalarnos estas joyitas.

A Perfect Circle

“Mar de nombres” es el primer álbum de la banda estadounidense A Perfect Circle (unas de mis favoritas). Bueno, el título del disco está en francés, se llama “Mer de Noms” y parece que es porque tiene canciones con nombres como Judith, Thomas, Rose, Orestes o Magdalena, dije que parece no más porque no tengo certeza de eso.

Me encanta ese disco, además fue el primero que escuché de ellos y simplemente me enamoré de Judith y The Hollow. Igual tienen sus canciones más mamonas como 3 Libras que es así como la favorita de mucha gente sólo porque es como lenta y linda y llena de mamonerías, pero no así de las típicas romanticonas como esas cebolleras de las Boybands (cosa que no tiene pero es que nada de malo y es más, soy una fanática de los Backstreet Boys) (no sé por qué dije eso) (igual no me da vergüenza) (ya muchos paréntesis), sino que tiene algo más de contenido y suena espectacularmente bella. Ahora, no es una de mis favoritas pero no es porque sea peor que las otras, sino que mi estilo va con melodías un poco más pesaditas =].

Magdalena es otra de las mejores y lo bueno es que se te puede quedar pegada horas, días, y hasta semanas porque es súper pegote y fácil de recordar, pero en tu interior sabes que no quieres que se te despegue porque es tan buena que das gracias a Dios (si eres católico como yo, y si no vete al cuerno (mentira)) que se te pegó esa, es un orgullo.

Orestes tiene un sonido extraño a veces pero es uno de esos en los que recuerdas por qué rayos te gusta tanto esta banda y te das cuenta de todo lo especial que tienen (y por qué es tan diferente a Tool, hago la comparación solamente porque Maynard canta en ambas y son de un estilo más o menos parecido) aunque en mi caso, prefiero mil veces a APC. Otra que sigue más o menos la misma línea de Orestes es Renholdër, que comienza así toda misteriosa y no cambia hasta el final, dos minutos y 25 segundos de lo mismo, pero agradable para tus oídos. Y bueno… Breña las lleva xD.

La segunda realización oficial de estos chicos se llama “Thirteen Step” que vendría a ser algo así como el paso número 13, que igual es como diferente al anterior porque es como más experimental en cuanto al sonido y las canciones están claramente (para MI punto de vista ¿ya?) mejor hechas y más largas, cosa que no te aburre por el cambio sutil de melodías en un tema.

En este disco se encuentran mis 3 canciones favoritas de ellos, la verdad es que encuentro que es el mejor disco de los tres (sí, tienen tres), ah y como iba diciendo, están las tres mejores según la información que almacena mi cerebro: Pet, The Outsider y The Nurse Who Loved Me, canción bastante peor a 3 Libras del primer álbum, me refiero a lo lenta y mamona, pero no puedo evitar dar a conocer mi gusto por el tema, es que es tan del interior del ser humano enamorado, ah si es un poema y de los mejores.

La verdad es que este disco las lleva mucho porque si usted lo escucha, es probable que no encuentre ninguna canción mala y es más probable aún que quiera divorciarse de su esposo/esposa y vaya directo al registro civil a pedir hora para el matrimonio entre usted y los miembros de la banda (aunque te tendriai que ir por ahí por el lejano oriente donde se acepta la poligamia) (no sé por qué estoy escribiendo todo esto).

Resulta que en el eMOTIVe hay otra versión del track Pet del disco anterior, pero se llama Counting Bodies Like Sheep to the Rhythm of the War Drums (cortito) y debo admitir que es bastante buena pero no alcanza el nivel de la original. En este álbum podemos ver (escuchar) también un cover de la canción Imagine de John Lennon, que es bastante bueno y agradable, y más de la onda de APC por supuesto… el video es genial y cuando lo vi me dio miedo, pero ahora no. ¿Qué de especial tiene este disco? Lo que tiene es que está lleno de covers de bandas y solistas conocidos (y no tanto) y hasta tiene un cover de ellos mismos (de Pet, como les conté recién), son remakes bastante del estilo y línea de la banda, pero sin dejar de lado por ningún motivo la esencia de la canción original. ¡Si estos tipos son secos! Hacen sus propias versiones de temas de cantantes como: Lennon, Elvis Costello, Marvin Gaye, Depeche Mode, Led Zeppelín, entre otros.

Te recomiendo ahora el tema The Outsider, una de mis favoritas. Me gusta más Pet, pero mejor te dejo esta canción porque el video es de lo más genial y me gusta recordarlo siempre. En el video aparecen las Bikini Bandits, que son como la versión contraria a los Ángeles de Charlie.

'Radiohead'... PH.TB.OC.KA.A.HTTT.IR

Radiohead es Una banda Inglesa que partió en 1991 con toda la carga de rock progresivo con Thom Yorke, Jonny Greenwood, Ed O'Brien, Colin Greenwood y Phil Selway.

Su Primer Sencillo fue "Creep" en el año '92, para luego en 1993 comenzar una gran carrera con el LP "Pablo Honey" que sin duda con canciones como "Stop Whispering", "you" y el éxito mundial que nombre recien como primer sencillo hizo remecer la música de los años '90, aunque recién en el año 1995 se consolidarían con el álbum "The Bends" con éxitos en todo el mundo.

El año 1997 fue uno de los mejores en la historia del rock, si!... porque nació desde un estudio el álbum mas preciado por mi, se trata del "Ok Computer" con la magistral Paranoid Android, podria decirse que es como Bohemian Rhapsody para Queen, Stairway to Heaven para Led Zeppelin o Back in black para AC/DC.

Comparación absurda, pero con algo de sentido, ya que las antes mencionadas son las canciónes que las representan, y Paranoid Android para la mayoría de las personas que habitan la tierra y disfrutan del mejor rock.

Ya en el año 2000 Thom Yorke y su banda quisieron experimentar y evolucionar musicalmente, después de 3 discos magníficos y sabiendo que la fama los envolvía completamente. Kid-A fue la bofetada que recibió el público y que Radiohead produjo sin grandes esperanzas de éxito, pero al contrario! fue uno de sus mayores logros en cuanto a ventas y merchandising varios mundialente.

"Amnesiac" del 2001 al igual que Kid-A fueron influencias electrónicas de bandas como Aphex Twin con canciones como "Knives Out" o "Pyramid Song" que hacen lanzarte en el suelo y escuchar a todo volumen tan geniales temas imaginando cosas nunca antes en tu vida.

Hail To The Thief es lo último que conocíamos hasta hace poco, con grandes canciones y muchas influencias de The Beatles y Neil Young que se reflejan en canciones como "Go to Sleep" y "There There" entre otras, pero algo esperado por todos sus fanáticos acaba de ocurrir hace algunos días. Después de 4 años en silencio, el quinteto ha hecho resucitar a la banda con "In Rainbows".

Disco que ha sido mostrado al mundo a través de Internet para ser descargado directo de la página ofrecido al precio a gusto de la persona que lo desee, o sea que si quieres pagar 1 libra esterlina, puedes hacerlo o si quieres descargarlo gratis lo harás, porque aunque no sea la version completa que saldrá en disco más adelante, igual disfrutarás con la gran banda de los 90 y la generación 2000 en este álbum fresquito que te ofrece la red.

Para concluír al hablar de tan exitante banda de rock progresivo, electrónico y alternativo como ha sido denominado en varias ocasiones, sólo puedo obligarlos a descargarse todos los álbumes y escucharlos en algún cuarto o habitación oscura, más si es desde el Kid-A hacia adelante.

Ah!... y si no entendieron el título, sólo piensen en las iniciales de los discos y su pregunta estará respondida.

Ecos del Rock Recomienda escuchar en el reproductor que aparece abajo, la canción: "Paranoid Android" del disco OK COMPUTER.

"Encuesta Cerrada"

La Encuesta que duró poco menos de 2 semanas con la pregunta ¿Cuál es el Mejor Vocalista de Todos Los Tiempos?, ha llevado el siguiente resultado:

Freddie Mercury de Queen con 56 votos(56%)

Robert Plant de Led Zeppelin con 12 votos(12%)

Ian Gillian de Deep Purple con 1 voto(1%)

Elvis Presley con 3 votos(3%)

Fran Healy de Travis con 2 votos(2%)

Michael Stipe de R.E.M. con 2 votos(2%)

Paul McCartney de The Beatles con 5 votos(5%)

Ozzy Osbourne de Black Sabbath con 7 votos(7%)

Brian Johnson de AC/DC con 6 votos(6%)

y la opción "otros" con 6 votos(6%)

Sin dudas Freddie Mercury ha arrasado en Ecos del Rock con su magnífica voz, si dejar de destacar a los demás participantes, que por cierto quedamos sorprendidos por la baja de votos de "Ian Gillian" de Deep Purple y Robert Plant de Led Zeppelin, ya que superan con creces a muchos de los que participaron en la lista.

Para destacar la voz de Freddie, presentamos a continuación en Ecos del Rock, la canción "The Prophet's Song".

"Hechos Que Cambiaron La Historia"

El mundo sufrió un importante cambio tras las sesiones de grabación del primer tema de Elvis Presley, realizadas en julio de 1954.

Otros hechos que habrían marcado la historia son la conversión de Bob Dylan de artista acústico a eléctrico, la publicación del primer single de The Clash en 1977, el éxito a nivel mundial de los Beatles y la publicación en 1968 de "Jumpin' Jack Flash" de los Rolling Stones.

Elvis tenía una cita el 5 de julio de 1954 en los estudios de Sun Records e irrumpió con "That´s All Right", su primera grabación. Elvis había previamente grabado un tema para el cumpleaños de su madre y su voz supuso que volviera a los estudios un año después.
El guitarrista Scotty Moore, que tocó en aquella sesión, dijo a la revista: "Era demasiado pronto para saber qué iba a pasar, pero pronto nos dimos cuenta de que teníamos un producto real en nuestras manos"...

La encuesta, realizada para celebrar el décimo aniversario de la revista, también destaca al álbum de Bruce Springsteen "The Rising", inspirado en los atentados del 11 de septiembre y a la serie de televisión "The Osbournes".

Elvis Presley se presenta en Ecos del Rock con la canción "That's All Right", la segunda grabación de su vida, un año después de haber ido a un estudio para grabar una canción a su madre, sólo presionen play y a escuchar se ha dicho!.

Queen - I'm Going Slightly Mad

Ahora presentamos un video de la mítica y genial banda Inglesa Llamada "Queen", con la canción "I'm Going Slightly Mad" del año 1991 que viene en el disco Innuendo (último con Freddie vivo).

Les recomiendo fijarse bien en los detalles y en la canción que son geniales y bizarros ambos se podría decir, aparte que en este video mas que nunca se nota la enfermedad de Mercury con su delgadez de cuerpo, ya que no tenía masa corporal a causa del SIDA y que abajo de sus vestimentas llevaba consigo paños calientes y una iluminación en el estudio que no le afectara la salud.

Los invito a observar bien el video y a la figura de Freddie, aparte que se nota en las caras de Brian May, John Deacon y Roger Taylor la tristeza por lo poco que le quedaba a Mercury de vida.

The Decemberist - 'The Crane Wife' (2006)

A través de un popular cuento japonés, The Decemberists consuman una odisea fidedigna, mezclando variados ingredientes Folk, una pizca de psicodelia cuasi setentera, y… por supuesto, ese estilo bien Indie que los consolida como una imponente banda underground –hasta cierto punto-, ofreciéndonos, en esta ocasión, un sorprendente LP, que llama mucho la atención por su riqueza sonora, diversidad simultanea en la revelación de cada corte y originalidad por sobre todo.

El 2006, Colin Meloy –líder absoluto de la banda- y compañía, decidieron editar un ambicioso disco colmado de brillantes tonadas confeccionadas a delicado pulso, demostrando nuevamente su carácter compositivo tanto en la música como en las letras. El sucesor de ‘Picaresque’ (2005), ‘The Crane Wife’, recorre hermosos pasajes con leves guiños orquestales, ligados a una influencia un tanto añeja, pero utilizando ese manoseado Folk que construye un sonido más apegado a la contemporaneidad.

Este disco brilló lo suficiente como para arrojarlos a la claridad del mercado, teniendo como referencia su cada vez más ampliada propuesta musical, y aquellas dignas tonadas pop con sutiles guiños de rock, cargadas de melancolía pura y un patentado sonido que los distingue, especialmente por esa gustosa voz de Meloy.

Los puntos más altos de este ‘The Crane Wife’ apuntan a cortes tales como “O Valencia!” –primer single-, la genial “The Perfect Crime #2″, la sonriente “Yankee Bayonet (I Will Be Home Then)”, interpretada junto a Laura Veirs -cantautora norteamericana- o el sinónimo de tristeza condensada y bañada en nostalgia real, el cántico acústico “Shankhill Butchers”, una pieza pulida desde adentro, desde el alma, llegando a la altura de baladas correspondientes a Oasis o Radiohead.

Hay que admitir que la idea de crear un tema largo, con función de servir como épica, a veces no resulta y aburre, pero otras veces sí. Pude depender de muchas variables: la ubicación del mismo o las de los demás, por ejemplo. Tal es el caso de los temas “The Crane Wife 1 and 2”, “The Crane Wife 3” y “The Island-Come & See/The Landlord’s Daughter/You’ll Not Feel The Drowning” (¡Uff!).

Todo el concepto de la canción “The Crane Wife”, contabilizando sus tres partes, son la clara muestra de una sabia decisión al momento de plantearnos el tema. Así como algunos directores de cine –como Tarantino por nombrar a uno-, en conjunto con los editores, ordenan las escenas de tal manera que el final de inicio a la película, Decemberists ubican la parte N ° 3 del tema “The Crane Wife” para abrir el álbum, luego los 11 minutos predecesores son trasladados más adelante, formando una estrategia de tiempo y espacio que se aprecia y destaca, pues así resulta más dinámica su narración y música por lo demás. No obstante, cometen el graso error de hacer todo lo contrario con el tema “The Island-Come & See/The Landlord’s Daughter/You’ll Not Feel The Drowning”. En este track puede que abunden buenos riffs, placenteros juegos de acordes o atmósferas arraigadas a lo que hacían algunos músicos, los más experimentados –de buena manera- en la década del setenta, y además, mezclando un Folk notoriamente ligado al de Neil Young , pero aún así creo que es completamente innecesario sus 12 minutos y algo. De hecho, me atrevo a decir que el tema entero con sus sus tres o cuatro exponentes son netamente prescindibles dentro del compacto. “El que mucho abarca poco aprieta”, dicen

Si te gusta el pop llevado a sus extremos lapsos, con experimentación incluida pero sin dejar de ser estructurada ni perder los modales, te recomiendo este disco. Es bueno, es agradable, a veces mata de aburrimiento, otras, cala profundo en el alma, se queda y se va de tu cabeza al mismo tiempo, y es así como termina.

Sebastián Chávez Peña

Los dejamos nuevamente con un archivo mp3, ésta vez le toco al primer single de la banda llamado "O Valencia!" en Ecos del Rock Blog.

Frank Zappa con Bobby Brown en Vivo!

Por supuesto que se viene "Bobby Brown Goes Down" cantada por Frank Zappa en vivo. Pero ahora no sólo es eso, sino que la tenemos con subtítulos en español, para que se rían un poco de la letra y para pensar que Zappa estaba loco, pero loco de experimentación musical.

Programa del 29 de Septiembre

Por fin podemos subir un programa emitido en la Radio Rinconada del día 29 de septiembre, para los que no pudieron escucharlo, producto de la falla en la señal online. Pero ahora trataremos de poner los programas para escucharlos en la página desde el reproductor que aparecerá abajo.

Así que están invitados a disfutar de 2 horas de Ecos del Rock (radio), el programa pasado, donde tuvimos cosas interesantes, como las novedades discográficas de Luis Camilox, Las 100 Mejores canciones de la historia, los pedidos de los auditores y mucho más con Sebastián Chávez y Jorge Contreras.


DESCÁRGALO: 98.16 mb DURACIÓN: 107.13 min.

The Beatles - 'Magical Mystery Tour' (1967)

Como película, ‘Magical Mystery Tour’ fue un verdadero desastre. Según dicen, el especial de una hora emitido para la BBC fue uno de los mayores fiascos que ha tenido el canal. Paul creyó que juntar a hartos personajes bien extraños y pasear con ellos dentro de un bus “mágico” iba a ser entretenido… pero se equivocó. De todas formas, detrás del fracaso de la versión audiovisual de ‘Magical Mystery Tour’ estaba su respectiva banda sonora, que a diferencia del show televisivo, resultó ser un diestro LP de 11 temas, que no dejó de impresionar a los fanáticos que el mismo año ya habían alucinado con el tremendo ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’. Pero no fue un fracaso por haber sido mala la película, sino que la principal razón había sido que la BBC la transmitió en blanco y negro, y lo principal de éste film eran los colores y cosas por el estilo, ya que la experimentación musical que vivían Los Beatles por ese momento la llevaron a la pantalla grande.

El disco estaba divido en dos partes, Lado A y Lado B. En el lado A se incluían los temas pertenecientes a la película como soundtrack, mientras que el Lado B estaba compuesto por una colección de caras A y B de singles lanzados en 1967.

El álbum parte con la tremenda “Magical Mystery Tour”, que pone su nombre en el disco. Con la colaboración de los trompetistas Elgar (Gary) Howarth, Roy Copestake y John Wilbraham, McCartney junto a George Martin lograron capturar los ánimos con un excelente corte de entrada, lleno de alegría y fervor, con sonidos frescos y alegres.

Luego aparece la estremecedora “The Fool on the Hill”, una canción que habla de un tipo loco que vive solo en la colina, pero que al escucharla te imaginas una cantidad de pasajes bellos, nada que ver con el verdadero significado de la canción. Lo más atrayente de este tema son los sonidos de viento incorporados, interpretados por el mismo Paul, quien cogió una flauta dulce y aplicó la misma melodía vocal al tema, dando como resultado una hermosa tonada, de las mejores que ha compuesto el Sir McCartney.

Le sigue “Flying”, un viaje instrumental de ligera ambientación, compuesto por cada uno de los cuatro Beatles. John se encargó del mellotron, Paul tocó algunas guitarras junto con George, y Starkey siguió en las percusiones. Se utilizaron algunas cintas invertidas que Ringo escogió, y se puede oír claramente como los Fab Four utilizan sus voces como una sola, para transformarla en otro instrumento más.

En “Blue Jay Way”, George hizo lo mismo que en el ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’, entregarnos una canción de mediana calidad como relleno para abotagar algún EP. Creada a la “rápida”, Harrison compuso esta psicodélica pieza un tanto repetitiva en una casa ubicada en la calle “Blue Jay Way”, de ahí el nombre. La voz pasó por un colador de efectos, y hasta se hizo lo que estaba de moda por entonces… se invirtieron las resonancias, y así se dio forma a otra pieza de Harrison que poco a poco daba a conocer su inapetencia a la hora de componer.

Se acaba la psicodelia y nos abrimos paso al mejor pop hecho canción, lejos una de las composiciones más cototas que Paul nos regaló dentro de los Beatles… “Your Mother Should Know”. McCartney arma una deliciosa tonada ambientada en los años 20, como acostumbra a introducir en algunos de sus discos pertenecientes a la segunda etapa de los melenudos, y nutre una dulce armonía que te obliga a tararearla una y otra vez. De lo mejor del disco.

Lennon supo que en la escuela Quarry Bank de Inglaterra, los profesores estaban haciendo que sus alumnos analizaran las canciones de los Beatles, entonces decidió hacer “I Am the Walrus”, un temón que no habla de nada en específico, pero que aún así es una de las hechuras de Lennon más adoradas por los fanáticos, y no por nada, pues la canción es todo un emblema inglés. La idea era crear una letra que supusiera un puzzle de frases escondidas, pero sólo para burlarse de aquellos que suelen ver cosas donde no las hay, ya que este tremendo tema, además de poseer palabras inventadas, no esconde ni un misterio por descifrar. Una cabalgata de instrumentos (8 violines, 4 violonchelos, 3 trompas y un clarinete, entre otros) desfilan en esta mágica composición que mezcla la psicodelia con el pop, y que simboliza la esencia del disco entero. Un clásico absoluto.

Finaliza el Lado A y cesan las asombrosas canciones que dan forma a la temática de funesta película. Ahora comienza el Lado B, repleto de maravillosas pistas, muy recordadas como insignias de su carrera. Y para emprender de nuevo el viaje –dentro de este “mágico tour”-, tenemos a “Hello Goodbye”, una divina canción que se pasea por los compases más agradables de imaginar. McCartney lo hace otra vez. Consigue alcanzar la cima una vez más con esta perfecta conjugación de pulcro pop, dulces escalas vocales y tremendos riffs ascendentes que encierran una genial joya de los años 60’s. Lo mejor, el “final mahori”, donde unas bailarinas hawaianas mueven las caderas al swing de la tropical música que sirve para despedir el tema.

Hay quienes dicen que “Strawberry Fields Forever” es la mejor canción de los Beatles, o por lo menos la mejor de Lennon. Un deleite sensorial de estereofónicos retumbos manipulados da vida a un sorprendente viaje de ensueño. La preciosa melodía de Lennon irrumpe en las ganas de volar y adentrarse a un misterioso mundo lleno de fantasía, alrededor de campos de fresas… por siempre. John solía asociar esta canción con su niñez, lo que nos acomoda a visualizar de mejor manera la tonada. Esta canción fue un verdadero dolor de cabeza para George Martin, ya que Lennon nunca estuvo conforme con las grabaciones. Primero, se grabó de una forma más rápida, como realmente era en un principio. Después se hizo otra versión, más sinfónica y por lo misma razón lenta. Pero Lennon seguía en desacuerdo con Martin, le gustaban mucho las dos versiones, pero ninguna por sí sola lo suficiente. Entonces tuvieron que mezclar las dos partes, y el resultado, milagrosamente calzó en tempos y tonalidades.

En “Strawberry Fields Forever” aparece un mensaje subliminal en el término de la canción. otro más que alude a la supuesta muerte de Paul. Si agudizamos nuestros sentidos mientras bombos, tambores y platillos cierran la canción, se oye claramente una voz desganada que dice: “I buried paul”, lo que al español sería: “Yo enterré a Paul”. Obviamente, es sólo una teoría, pues todos sabemos que Paul está bien vivo, viejo pero vivo.

Junto con “Strawberry Fields Forever”, “Penny Lane” fue grabada para la sesión del ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’. Martin no quiso incluir semejantes obras maestras quizás por falta de tiempo dentro del el LP, pero lo cierto que no demoraron en hacerse conocidas, y “Penny Lane” tuvo un video clip de lo mejor, con uno Beatles más excéntricos que nunca, arriba de unos caballos y tomando el té al aire libre. “Penny Lane” es ahora una calle famosa en Liverpool, gracias a Paul, quién atribuyó el nombre de aquel territorio para reunir todos esos nostálgicos recuerdos que le producía el lugar. Una pieza de invaluable valor musical, con infinidad de arreglos orquestales, para regocijarse en pop de calidad británica con leves sonidos de antaño.

La dupla Lennon-McCartney vuelve a hacer estruendos como en los viejos tiempos, “Baby You’re a Rich Man” es el más claro ejemplo. El músico invitado Eddie Krammer utiliza un vibráfono para el dulce estribillo. Tiene cierta relación con el tema “Lucy in the Sky with Diamonds”, pues bien, posee un verso psicodélico y un coro pop repetidas veces, formato de canción utilizado en el popular sencillo de su disco anterior. “Baby You’re a Rich Man” es una canción de protesta, bien estructurada de superlativo resultado.

“All You Need Is Love” cierra un disco repleto de buena onda, bañado en fantasía y esperanza positiva. John Lennon compuso el tema sólo unos días antes de que apareciera en el primer enlace mundial de la BBC vía satelital. En el video en vivo, donde una orquesta acompaña con elegancia las hermosas frases de amor y paz que Lennon desprende en sus estribillos para expandir el mismo plan el coro. Todos vestidos con colores vivos, querían entregar ese mensaje hippie que todo músico sesentero se sentía en la obligación difundir. El final es emocionante, haciendo alusión a clásicos de años atrás como “Yesterday” o “She Loves You”, y con un montón de amigos en el estudio repitiendo la frase “Love is All You Need” una y otra vez –entre ellos, Keith Richards y Mick Jagger de los Rolling Stones-, los Beatles se despiden con un outro eterno y repleto de nostalgia. Ellos consientes de los cambios que el mundo sufría por entonces, sólo cantaban sus canciones de amor y paz, y trataban de acomodarse a una sociedad tan paralela a este tópico en todas sus variables. Este tema vino a nosotros en busca de aquello. Los Beatles decían adiós con una inigualable alabanza a la amistad colectiva, y lo mismo hizo el mundo al despedir el féretro de John en la década de los 80’s, mientras en los parlantes sonaba la frase más preciosa que alguna vez se cantó en la historia de la música.

Por celz0mbie

Nuevamente los dejamos con una composición única de McCartney, esto es "Your Mother Should Know" en Ecos del Rock Blog.