Sigur Rós - "( )" (2002)

Después de tres años del lanzamiento del excelente Ágætis byrjun, los cuatro músicos de Islandia deciden retomar todas esas antiguas canciones que solían tocar en conciertos para crear un disco no tan “variado” como su trabajo anterior, pero igualmente profundo y a determinados ratos estremecedor.

El álbum está compuesto de ocho finas canciones, las cuales están divididas en dos segmentos –aludiendo al concepto de paréntesis que es la plataforma del compacto-: las primeras cuatro pistas -”Untitled #1″ (”Vaka”), “Untitled #2″ (”Fyrsta”), “Untitled #3″ (”Samskeyti”) y “Untitled #4″ (”Njósnavélin”)- se fluyen en una línea de tonos ligeros y optimistas. En cambio los últimos cuatro -”Untitled #5″ (”Álafoss”), “Untitled #6″ (”E-Bow”), “Untitled #7″ (”Dauðalagið”) y “Untitled #8″ (”Popplagið”)- tienden a formar un clima más abatido y melancólico.

Temas tan preciosos como “Samskeyti” (anexo) o “Vaka” (nombre de la hija del baterista) representan el lado más dulce del compacto, además, este último es el más conocido del LP, pues es el único sencillo que se promocionó. El costado más poderoso se concentra en las intensas “Popplagið” (canción pop) y “Dauðalagið” (canción de la muerte), las dos últimas tonadas del álbum que proponen invadir las impresiones emocionales conceptuando la angustia y la ira en un sólo gris.

Los emotivos tonos de voces, aglutinadas a las letras escritas en idioma “hopelandish” que emite el vocalista Jón Þór Birgisson, se mezclan con los atmosféricos sintetizadores, los penetrantes efectos ambientales de las cuerdas eléctricas y las suaves melodías hechas a piano simple que el sorprendente músico Kjartan Sveinsson deja pulsar en nuestro interior. Pero este resultado no sería el mismo si el bajo de Georg Hólm no marcara pasivamente en la miscelánea de estruendos que se hacen presentes en cada épica pista, formando una base casi hipnótica junto a los juegos rítmicos de bombo y platillo (mayoritariamente) que el baterista Orri Páll Dýrason otorga casi por detrás de todo el complemento gaseoso de mágicos pasajes celestes, dando origen a una delicada potencia ancestral, difícil de encontrar en cualquier disco… o en cualquier banda.

Gran disco que se goza el doble si se escucha relajado en un sillón con audífonos gigantes, un cigarrillo en una mano y en la otra, la mano de esa persona que de alguna forma sientes que te cuida… mientras lentamente cierras tus ojos.

Por celz0mbie

Una Pequeña Dosis de "R.E.M "

R.E.M. o "ar i em" como se dice es una banda estadounidense de rock alternativo nacida por los años '80, cuando un estudiante de arte llamado Michael Stipe junto a un coleccionista de discos de los '60 llamado Peter Buck se unen a dos músicos experimentados, llamados "Mike Mills y Bill Berry".

Estos geniales cabezones de la música son muy respetados por el estilo propio que obtuvieron por la década de los ochenta.
Por mi parte cuando escuché por primera vez R.E.M. en mi cerebro se formó como una especie de descompresión nuclear que soltó mis neuronas y las hizo escuchar atentamente cada instrumento y la magnífica voz del pelado Stipe que con su carismático timbre hace sentirnos en las nubes con un grandísimo arcoiris y un bosque verde al fondo estilo valle con laguna y todo.

"Man on The Moon" es uno de sus tantos éxitos grandiosos y el primer tema que escuché de ellos, ya que viene en el "the best of r.e.m. in time 1988-2003" que fue el primer álbum que tuve el agrado de escuchar, con grandes temas como 'Bad Day' que al sentir la introducción con ese riff, me imgino viajando por una carretera que va por la costa, para llegar a la playa de Hornito y terminar un gran día de verano acampando con los amigos.

También otro de los himnos personales de la banda, se encuentra "Everybody Hurts", y se podría decir que es la canción más conocida de ellos, ya que lo he comprobado en varias ocasiones.

A mi gusto personal, la canción "DaySleeper" me llena completamente al hacer que mi corazon se infle cada vez más con ganas de escuchar esta genial música, que a mi gusto podría decir que es la mejor banda de gringolandia.

Para terminar; nuevamente recomendamos un tema, esta vez le toca a R.E.M con la canción "Everybody Hurts" en Ecos del Rock Blog.

'Jimi Hendrix' y su Muerte en 1970

En 1970 Jimi continuó con varios conciertos, compartiendo cartel de festivales con los grupos más importantes de entonces, como Jethro Tull, Cactus, Grand Funk Railroad, Steppenwolf, Moody Blues, Free, Procol Harum, Ten Years After, Canned Heat, etc.

A finales del mes de agosto de ese año, Hendrix se traslada a Londres para promocionar el disco y actuar, entre otros, en el festival de la Isla de Wight. En el mes de septiembre de ese año, tras una jam session con Eric Burdon en un garito de Londres, regresó al ‘Samarkand Hotel’ donde estaba hospedado con su amiga Monika Dannemann y se puso a escribir la letra de su última canción: “The Story of Life (slow)”. Después se metió un atracón de pastillas de todo tipo, entre ellas varias para dormir y por la mañana al ir Monika a despertarle se da cuenta que ha vomitado durante la noche y que no reacciona. Llama a su amigo Eric Burdon y deciden llamar a una ambulancia, que lo traslada al St. Mary Abbots Hospital, pero no llega vivo. Era el 18 de septiembre de 1970.

La prensa se hizo eco del asunto en todo el mundo, y posteriormente los rumores fueron constantes, hablando de suicidio, de sobredosis, de asesinato, etc. El caso es que su muerte sirvió para hacer más grande el mito, para crear una leyenda en torno a Hendrix y para que las casas de discos se hincharan después sacando al mercado todo tipo de grabaciones, conciertos piratas, recopilaciones y directos.

Como es de costumbre, en Ecos del Rock blog recomendamos reproducir a continuación "Foxy Lady" del Disco 'Are you Experienced?' en formato mp3.

When The Music's Over en Vivo!!

Nuevamente The Doors y su magistral presentación de "When The Music's Over" en vivo, a pedido de alguien desconocido por nosotros, pero con un excelente gusto por la música sin duda.

Johnny Ramone Fallece el 15 de septiembre del 2004

El músico pionero de la música punk Johnny Ramone murió en Los Angeles, a causa de un cáncer de próstata.
"El punk rock ha muerto hoy", declaró Gary Kurfist, el representante del grupo "Ramones" desde 1979. El guitarrista de la banda padecía de cáncer de próstata.

El guitarrista, que falleció el Miércoles 15 de Septiembre a los 55 años de edad, "fue el último de los Mohicanos, fue muy valiente; era el alma de los Ramones y todo el mundo lo recordará siempre", añadió Kurfist.

Al igual que el resto de los miembros del grupo, Johnny Ramone, cuyo nombre era John Cummings, cambió su apellido cuando se formó el grupo en Nueva York, en 1974.
Los Ramones rápidamente se hicieron populares en sótanos del rock y alternativa, como el CBGB's de Nueva York. Aunque nunca consiguieron colocar un disco entre los diez primeros de los más vendidos en EE.UU., el grupo fue introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2002.
Vía La Hélice

Recomendamos "I Wanna Be Sedated" de los padrinos del Punk Rock, Los Ramones en Ecos del Rock Blog.

Resultado de la Encuesta

La pregunta de la encuesta pasada fue: ¿Cuál es la mejor canción en la historia del rock de todos los tiempos?, y los resultados fueron los siguientes:

(I Can't Get No) Satisfaction de Los "Rolling Stones" con 2 votos (3%)

Stairway to Heaven de "Led Zeppelin" con 11 votos (19%)

Like A Rolling Stone de "Bob Dylan" con 5 votos (8%)

Bohemian Rhapsody de "Queen" con 22 votos (39%)

Imagine de "John Lennon" con 16 votos (28%)

Ya está claro que en el Primer lugar resultó estar la magnífica Bohemian Rhapsody, el himno de 1975 que con sus 5 minutos y algo nos deleita en una sola canción con un poco de balada, ópera, metal y rock and roll.

Lamentamos la baja de votos de Stairway to heaven de Led Zeppelin, que no debería haber estado en tercer lugar, pero son cosas de gustos y demases, por otra parte se le agradece a los votantes con un poco más de aporte para el blog, que todo lo que hacemos es por contribuir en la historia del rock de todos los tiempos.
Para los que no han tenido el gusto de escuchar Bohemian Rhapsody, podrán reproducirla a continuación en Ecos del Rock Blog.

'Roger Waters' y su Cumplepepas Número "64"

Definido por sus propios compañeros de banda como "egocéntrico" y "opresivo", el bajista y compositor Roger Waters, líder de Pink Floyd en la época de esplendor del grupo y que el pasado martes cumplió 64 años, se ha transformado, por personalidad y creatividad, en uno de los principales íconos y figura central de la historia del rock and roll.
Nacido el 9 de septiembre de 1943 en Great Bookham, Inglaterra, Roger es el tercero de tres hijos del maestro de escuela Eric Fletcher Waters, quien murió en febrero de 1944 durante la invasión británica de Anzio, Italia, en el transcurso de la Segunda Guerra Mundial, cuando él apenas tenía cinco meses y al que nunca conoció.
Este hecho, como otros relacionados en su vida, quedaron grabados en su producción discográfica "The Wall", el más importante de los alegatos antibelicistas que produjo el rock y reflejo, al mismo tiempo, de los temores y angustias de toda una generación europea, nacida al calor de la Segunda Guerra.

Waters se relacionó con la música en 1965 en Londres, cuando cursaba la carrera de arquitectura, época en la que comienza a tocar la guitarra y en la que conforma su primera banda musical, llamada "The Abbads" junto al estudiante de arte, letrista y compositor Syd Barret, que sería el primer líder de Pink Floyd hasta 1967, cuando fue separado del grupo por sus problemas con las drogas, luego de que grabaran su primer LP, "The Pipper at the Gates of Dawn".
Separado Barret y con Waters como líder, letrista y compositor de la banda -conformada entonces como cuarteto con Roger en bajo, David Gilmour en guitarra, Richard Wright en teclados y Nick Mason en batería- Pink Floyd pasa a convertirse en el grupo emblemático de la psicodelia británica de fines de los 60 y comienzos de los 70 con discos como "A Saucerful of Secrets" (1968), "Ummagmma" (1969), "Atom Heart Mother"( 1970) y "Medle" (1971).
Pero a pesar de ir construyendo un espacio propio en la escena del rock, la consagración definitiva del grupo llegó con "Dark Side of the Moon" (1973), placa que vendió más de 29 millones de copias en todo el mundo, que ostenta el récord de haberse mantenido por 724 semanas ininterrumpidas (casi 15 años) en las listas de discos más vendidos en los Estados Unidos y que, con el paso del tiempo, lejos de envejecer, se agiganta.
El éxito de "El lado oscuro de la Luna" trasformó a Floyd en un fenómeno de masas, convirtiéndose en la banda de mayor adhesión internacional y liderando la escena musical de mediados de los 70, época del llamado rock sinfónico, hegemonizado por bandas británicas como Yes, King Crimson; Emerson, Lake & Palmer (ELP) y Led Zeppelin.

El éxito de esta época llevó a Waters a autoproclamarse como "uno de los cinco mejores compositores ingleses después de la guerra", y a profundizar el camino de un rock conceptual, abierto a la experimentación y el trabajo en la definición de una estética de sonido donde a las máquinas y el trabajo de los sintetizadores asumen un papel central.
A "The Dark Side Of The Moon" seguirán "Wish You Were Here" (1975), un homenaje a Syd Barret; "Animals" (1977) y "The Wall", la más personal de las creaciones de Waters, que posteriormente fue llevada al cine por el realizador Alan Parker.
El último trabajo de Waters al frente de Floyd será, como su nombre lo indica, "The Final Cut", en 1983, grabado bajo una gran tensión en momentos en que sus diferencias con el resto de la banda se vuelven insostenibles y a partir del cual abandona el grupo, que continúa con sus otros tres integrantes (Gilmour, Wright y Mason).
Luego de su separación de Pink Floyd -litigio judicial mediante- Waters sacó como solista: "The Pros and Cons of Hitchhiking", en 1984; "When the Wind Blows", en 1986; "Radio Kaos" en 1987; "The Wall Live from Berlin", grabado en un histórico concierto el 17 de septiembre de 1990; "Amused to Deth" (1992), considerado por muchos como su mejor producción solista; "In the Flesh Live" (2000) y "Flickering Flame" en 2002.

En el 2007 se presentó en Chile en vivo con lo que fue la gira "The Dark Side of The Moon" del año 1973.
Vía La Hélice

Sin Más que decir, en Ecos del Rock blog presentamos la canción "Mother" del Disco The Wall de 1979 para disfrutar a continuación en la web.

Black Sabbath - 'War Pigs' Live!

Los Magníficos Black Sabbath se hacen presente en Ecos del Rock con su magistral presentación en vivo de la canción 'War Pigs' que va a la cabeza del disco "Paranoid".
Hay que deleitarse con este temilla que no puede quedar fuera de sus mentes rockeras, ya que dejó su huella en la historia de la música, con esos siete minutos y algo de instrumentos sonando.

The Doors - 'The Doors' (1967)

Una propuesta basada en la poesía teatral de antaño, empolvada de harto rock, buen blues e innegables extractos de jazz, con el propósito de crear un éxtasis “chamánico” y así transformar al rock en una nueva especie de religión, era lo que ofrecían Jim Morrison y Ray Manzarek, tenían esa imagen, ese concepto en mente, y lo querían plasmar de verdad, anhelaban llevar a cabo ese codiciado ideal.

Un libro de Aldous Huxley llamado “The Doors of perception” indujo a Jim Morrison hacia los enigmáticos caminos que conllevan el cuestionamiento del psicoanálisis y el existencialismo filosófico. Toda esa onda meditabunda llena de psicodélicos teclados por parte de Manzarek y esos particulares registros vocales de Morrison sólo podían tener un nombre… The Doors (Las Puertas)… que aludía además a un célebre pasaje del poeta William Blake… “Si se abrieran las puertas de la percepción, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito”. Y gracias a Ray Manzarek, Robby Krieger (Guitarra) y John Densmore (Batería), Jim logró dar en el clavo y convertir a los Doors en, más que una banda, una concepción vital para la historia del rock.

Este álbum debut fue de lo mejor del 67’. Un estampido de eufonías refrescantes que de igual manera recordaban al viejo blues de los 50’s. El homónimo constaba de once cometas en una ínter espacial galaxia sesentera, de los cuales “Break on Through (To the Other Side)” es la que se encarga de disparar la bala hacia el aire y dar comienzo a esta notable experiencia en la historia del rock. Salvaje y al mismo tiempo sensual, John Densmore pone bosanova en los tambores y Jim Morrison mezcla esas cosas que sabe llaman la atención para emitir sus elocuentes frases. Este tema es un clásico del rock que nunca deja de sorprendernos cada vez que lo escuchamos. Sin duda una muy buena táctica para partir.

El buen ritmo se adueña de tu cuerpo con “Soul Kitchen” y ya no puedes hacer otra cosa que rendirte ante el magnetismo vocal de Morrison y las terriblemente atrayentes notas que Manzarek practica en su teclado lleno de añejas fragancias, lo que de por sí ya es bueno. No obstante, muy luego nos ponemos un poco más serios para oír esta dulce balada espacial llamada “The Crystal Ship”, tema que a más de algún melómano debe volar su cabeza, y como no… si es tremendo por donde y como se le escuche. Excelente composición, quizás yo me quejaría de lo corta que es –es decir muchos de estos temas son cortos, de 2:30 min. Aprox. Pero como que en esta canción duele más que dure menos-, sin embargo a veces hay que conformarse con lo que nos dan simplemente –con la vieja frase: “Ellos saben lo que hacen”-, y más adelante nos dan de sobra […].

Los más que acertados riffs de Robby Krieger dan inicio a “Twentieth Century Fox”, notable composición con palmaditas en el coro y buen compás que destaca su pegajosísima melodía vocal. Y después le toca el turno a “Alabama Song (Whiskey Bar)”, canción original de Kurt Weill y Bertolt Brecht, que domina una fusión de ópera, jazz y música de cabaret, digna de oírse una y otra vez por su pegadiza estructura sonora.

El 29 de julio de 1967, según la “Billboard” en su sección de “Hot 100 number one single”, el single “Light My Fire” resulta elegido como el mejor del año. Es la reliquia del disco, la mejor canción jamás compuesta por los Doors, extraordinaria ilusión sónica con pilares de alucinógena audición, una laguna de incitantes pasajes llenos de rock y magistrales teclados. Aquí Manzarek es la estrella, se luce descifrando un soberbio e intenso solo en las teclas eléctricas que mágicamente te eleva por los aires. Y cuando esta gran fiesta hecha canción acaba, comienza “Back Door Man”, tema perteneciente a Willie Dixon que los Doors interpretan con gran calidad y presición. A morrison le encantaba que su banda tocara esta canción en vivo, la gozaba de lo lindo, como un bebé con su chupete. Si pueden escuchen el ‘Absolutely Live” de 1970 y entenderán lo que digo.

“I Looked at You” no tiene grandes cualidades como las demás entregas, pero de que se disfruta como loco no cabe duda. Un muy buen trabajo en los teclados –como siempre- y una fuerza vocal increíble de Morrison que se disfruta a montones. La sigue “End of the Night”, ácida balada que relaja los músculos de tu mente y la colma de espesos mini-punteos, adornando de muy buena forma una invaluable tonada.

La tentadora “Take it as it Comes” aparece fugaz como un coqueteo cualquiera, con bailables ritmos bien vetustos, no obstante hace que sea imposible la acción de mantener quieto cualquiera de tus dos pies. Gran hechura musical que precede a “The End”… la épica colisión mega orbital, con una incendiaria letra de contenido altamente ácido para oídos sensibles, Morrison se explaya unos 11 minutos y algo recitando poesía surrealista y dando forma a una atmósfera hipnotizadora de innegable calidad en los acordes y baquetas. Gran gran gran tema que Francis Ford Coppola retoma en 1979 para su film bélico ‘Apocalypse Now’.

En resumidas cuentas, está más que claro que este disco es esencial para una íntegra repasada a la raíz del rock. Recordemos que los Doors salieron sonando a nadie, con notorias influencias claro está, pero enunciando un sonido único, etiquetado por ellos mismos, algo que ya no vemos desde hace mucho tiempo. Excelente álbum que sería fatal si faltase en tu repisa dorada, donde guardas tus placas más preciadas.

Por celz0mbie

En Ecos del Rock Blog recomendamos escuchar "Light My Fire" del álbum The Doors a continuación y ponerle atención al solo de teclado de Ray Manzarek.

Queen - 'Sheer Heart Atttack' (1974)

Este LP salió al mercado en el año 1974 y es el tercer disco de los Británicos, Pegadito a ‘Queen II’, que también salió un poco antes, pero en el mismo año.
‘Sheer Heart Attack’ no sólo es uno de mis discos favoritos, sino que es uno de los mejores entre los discos de los años 70′.

El Primer Track llamado “Brighton Rock” fue escrito por Brian May para contar la historia de dos amantes que se encuentran a escondidas de la madre de la chica durante unas vacaciones de verano, más tarde se descubre que el chico es casado. Lo que se destaca es que Freddie canta agudo cuando hace de la mujer y después adapta la voz a un tono más grave para hacer las réplicas. La parte que podría jugar en contra o que podría estar demás es la guitarra de May que cada vez que puede trata de meterse para hacer un solo interminable, o también puede ser una ventaja, ya que may le da ese toque al estilo de Queen.

Ya con la segunda canción llamada “Killer Queen” (“Reina Asesina”) es para pensar que cómo es posible que este himno representativo de la banda es el que los llevaría al estilo que todos conocemos para consolidarse como Estrellas de Rock vendría en el disco que nos referimos ahora, y estaban recién como “aprendices” de futuras estrellas. Este tema marca un estilo con los arranques de guitarra de Brian, las campanitas y algunos efectillos por ahí que te dejan atónito y que se merece todo el respeto para estar en los grandes éxitos de la banda. La tercera pista viene con la canción llamada “Tenement Funster” que parece una simple canción rockera y que fue compuesta y cantada por Roger Taylor (baterista) con su voz ultra raspada, que si no lo conocieras pensarías que le han puesto algún efecto de distorsión.

Hay que decir que el final está un poco forzado y que la cortaron, ya que no se podía aguantar algo peor que eso, para dar paso a “Flick of The Wrist” (“Golpecito en la Muñeca”) tiene un inicio prominente dotado de un piano desenfrenado y que se va desvaneciendo con el primer acorde que Brian toca con su guitarra. Compuesta por Mercury y trata de la manipulación de una persona a otra o abuso. Para entender mejor ésta canción, hay que traducirla y leerla, porque es necesario para verle el verdadero sentido.

“Lily of The Valley” es la quinta canción del LP y da un gusto enorme que a discos como este la llenen con canciones tan maravillosas y que no han pasado como grandes éxitos o reconocimientos. Al parecer Freddy fue a una escuela en la India que estaba en lo alto de una montaña plagada de lirios y azucenas y asumo que debió inspirarse en esa estampa para tan florida pieza de fruta.

“Now I’m Here” llega con toda su caballería de overdrives y riffs de guitarras y bajos acompañados por una batería con sus tambores excesivamente fuertes. Sólo aconsejar que esta canción escrita por el pelucón May hay que escucharla con los decibeles al máximo en el mejor equipo, con el mejor sonido que tengas para sentirla como parte de ti y de la historia del rock. La canción es un melodrama que lejos de ir acorde con el trasfondo desenfadado y persistente, diluye unas letras que hablan de alguien infeliz pues Brian May pone en boca del narrador que esté con quien esté (chicas, chicos) no se encuentra a gusto, es curioso.

“In The Laps of The Gods” o “En manos de Dios” no tiene nada que ver con la pista número 13 de éste disco que se podría decir, es la segunda parte de la canción y mejor que esta aún, comienza con unas voces líricas y sigue con Freddie cantando la estrofa con voz distorsionada para luego continuar con coros parecidos a cualquier ópera con tenores y sopranos que le dan el pase a “Stone Cold Crazy” con un Rock & Roll desenfrenado que compusieron los 4 Ingleses de Queen con una guitarra más que loca y una voz a mil por hora de Mercury que no tenían significado alguno las palabras lanzadas al espacio. Con “Dear Friends” Brian por fin deja su Red Special de lado para agarrarse un piano y tocarlo suavemente acompañando la magnífica voz del desaparecido cantante de apellido Bulsara.

“Misfire” está compuesta por John Deacon, es este mismo quien toca la guitarra acústica para darle auge a la electrificada guitarra de May que se entromete en la canción. letra habla de alguien que quiere ser disparado por otra persona.

La Pista número 11 es “Bring Back That Leroy Brown” que te devuelve a los años de charlestón y te hace pensar que hay alguna posibilidad de carretear con tus abuelos por alguna vez en la vida poniendo ésta canción y varias más, que de repente se mete un piano loco de muralla y es bofeteado por el contrabajo de John que también te hacen desear haber vivido esos años 20’ en los cabaret que sonaba música como esta. Freddie cuenta la divertida historia de un ladronzuelo con la siempre alegre voz y redobles de Roger Taylor que te vuelven a poner los pies sobre la tierra y ver que son un grupo de rock y no de bar de mala muerte.

Al estar casi terminando éste disco, sólo puedes pensar que esta es una obra más de la discografía, ya que como penúltima canción, “She Makes Me (Stormtrooper In Stilettos)” con una guitarra electroacústica y una batería como la de Taylor que se cruza con el suave timbre de Brian “Harold” May hablando del amor que siente para después rematar con un final sorprendente donde se escucha una catapulta, unas sirenas, lluvia que cae y de repente una respiración agitada.

Ya la última del disco es “In The Lap Of The Gods (revisted)” es todo un himno que fácilmente pudo haber sido como “We Are The Champions”, ya que lo merecía, pues con sus coros tan preciosos Woo woo la la la… y el final tan inesperado por todos que trunca en una explosión que te deja paralizado, y hace pararte a aplaudir el magnífico trabajo que realizaron, Freddie Mercury, John Deacon, Roger Taylor y Brian May en este álbum.

Incentivo a escucharlo con oído agudísimo y analizar la carátula, que se podrán imaginar el porqué de las posiciones de los músicos.

En Ecos del Rock Blog recomendamos escuchar o reproducir la canción que presentamos a continuación, llamada "Killer Queen", que fue el primer éxito de la banda.

Brian May y su visita a Chile en 1992

Fue increíble encontrar este video en youtube de la entrevista que Alfredo Lewin le hizo a Brian May (Guitarrista de Queen).

Navegando por la red encontramos la joyita, que sin duda teníamos que mostrarla a todos los fanáticos del rock, porque la leyenda Brian May nos visitó en el año '92, cuando muchos de nosotros veíamos Cachureos con el cabezón Marcelo y Epidemia. Ahora sólo tienen que apretar play para reproducir el video, y también deben fijarse en la pinta de Alfredo Lewin en esos años que de por sí quedará como un hito en su vida.

'Las Mejores Canciones de la Historia'

Como es de costumbre, ésta semana tenemos una nueva encuesta relacionada con un poco de historia del rock.
Desde hoy comienza la competencia de 5 grandes himnos de todos los tiempos, que de por sí la lista era larga, pero elegimos los más destacables. Entre ellos están los siguientes para reproducir en mp3 y conocerlos para votar:

(I can't get no) Satisfaction de los "Rolling Stones" del año 1965.


Stairway to Heaven de "Led Zeppelin" de año 1974


Like a Rolling Stone de "Bob Dylan" del año 1965


Bohemian Rhapsody de "Queen" del año 1975


Imagine de "John Lennon" del año 1971

Resultados de la Encuesta... Bon v/s Brian

La encuesta realizada durante la semana pasada sobre ¿Quién ha sido el mejor vocalista de todos los tiempos de la banda AC/DC?, arrojó los siguientes resultados:
Bon Scott : 69% de los votos
Brian Johnson : 30% de los votos

Sin duda, el ganador a simple vista ha sido el gran Bon Scott, con su magistral interpretación en la primera etapa de AC/DC.

Led Zeppelin – ‘Led Zeppelin IV’ (1971)

Posterior a la tenue crítica de su disco ‘Led Zeppelin III’, Jimmy Page se puso las pilas e intentó idear junto a Robert Plant en la voz, John Paul Jones en las cuatro cuerdas y los teclados, y John Bonham en los tambores, un LP con más fortaleza en los riffs y mayor intensidad en las euritmias. El resultado… ‘Led Zeppelin IV’, un excelente album con majestuosas joyas musicales, la mayoría de ellas auto transformadas en clásicos de indudable valor trascendental.

En el arte gráfico del compilado Page resolvió tantear con una carátula ausente de nombre alguno, ni siquiera de la banda. Todo esto a causa de que los ingleses estaban aburridos de que la gente y los comentaristas los juzgaran por su disco anterior. Es por esto que trabajo discográfico fue llamado de distintas maneras: ‘Zoso’, ‘Runes’, ‘Four Symbols’, ‘Sticks’, ‘Unnamed’ o simplemente ‘Four’. No obstante, por decisión casi unánime el disco fue denominado ‘Led Zeppelin IV’.

La atractiva voz de Plant da inicio al álbum, con esa emblemática frase ya empastada de elogios… “Hey, hey, mama, said the way you move… gonna make you sweat, gonna make you groove”… y ¡Pum! Empieza briosamente la mega tonada hard rockera “Black Dog”. Esos extravagantes ritmos en la batería conjugados con las geniales e impredecibles artimañas en las cuerdas emiten un compás único, ideal para mover el cráneo en plan ‘heavy’… y Plant continúa… “Oh yeah, oh yeah, oh, oh, oh”…. […]. Clásico single del conjunto británico.

Después miramos para atrás, cerca de los años 50’s con la descomunal “Rock and Roll”. No dejamos de mover la chasca y nuestras manos continúan haciendo el símbolo de los cachos demoníacos. Esto es rock and roll en su más exquisita esencia, con las espléndidas guitarras haciendo de protagonistas en el rimbombante espectáculo acaecido en tus oídos. Compuesto por todos los Zeppelins, es evidentemente otro notable hit.

Una danza extracto medieval fusión Hippie con agregado de mandolín y excelente ambientación de cuerdas acústicas llamada “The Battle of Evermore”, es lo que logra crear Page junto a Plant, resultado de tanto ácido en sus cuerpos y tanto amor por esa atmósfera demasiado referente a los mejores años de sus vidas.

Cada vez que las revistas, radios, programas de televisión y otros medios de comunicación deciden armar una lista de las 100 o 50 mejores canciones de las historia del rock, siempre está presente en la mente de cada editor-jurado el gran temón “Stairway to Heaven”. No es necesario explicar el porqué, sólo basta que la escuches una sola vez –en realidad son 8 minutos, pero se pasan volando con lo magistral que es- para darte cuenta de su magna calidad formando un todo perfecto, algo así como lo que buscaba Platón, “alcanzar el Nirvana y ser parte de la naturaleza”. Divina pieza culpable de cada uno de los demás temas “geniales” de todas las bandas que han surgido desde el exacto momento en que la dupla Page/Plant compuso esta preciada gema hasta el día de hoy […].

Aparte de la renombrada dupla, Jones también pone de su parte en la juguetona “Misty Mountain Hop”, alegre obra rítmica que atrae por sus contagiosos riffs y tambores y su salpicada voz más que nada. Su lírica representa una mezcla de psicodelia con un enfrentamiento con la policía en uno de sus conciertos, se supone que estaban extremadamente estimulados por los ácidos, y recuerdan haber mencionado “Dejemos ir los Montañas Místicas… donde vuelan las almas”. Gusta de inmediato por tener un formato de rock accesible y liviano, pero con una poderosa batería de Bonham que sucumbió más de alguna vez el ‘Madison Square Garden’.

La extravagante “Four Sticks” fue escrita en una fabulosa excursión a la India con la intención de que Bonham de alguna forma explotara cada sonido de la batería, exprimiendo cualquier ritmo que de ella lograse dar a luz. La voz de Plant resuena con sonidos eléctricos y entre todas las cosas se mezclan para dar más que un buen resultado, lo que no para con la suave y refrescante “Going to California”, tonada de la misma onda que “The Battle of Evermore” –más que nada por las mandolinas-, pero con un aire más simpaticón y de un agradecido relajo, inclinado por ese Folk hippie que deslumbra nuevamente. Inspirados en la música de Spirit (conjunto norteamericano aparecida en el 67′), la dupla Page/Plant reinventa esta hermosa canción que a su vez inspiró a la banda Pearl Jam, con su tema “Given to Fly”, puesto que claramente podemos percibir la exacta similitud en la melodía vocal de dicho corte –en ambos versos de cada canción para ser exacto-.

Y remata con la aplaudida adaptación del cover “When the Levee Breaks”, originalmente compuesta por Kansas Joe McCoy y su esposa Memphis Minnie en 1929. Una potente, torrencial y única batería de Bonham rompe el silencio y la pantalla del fugaz fluir que “Going to California” había colgado en el aire, todo se desvanece de golpe, donde una legendaria harmónica segrega vientos ‘blueseros’ con un símbolos de nostalgia durante casi toda la canción. De pronto, te sientes en la necesidad de querer escuchar a Page con esos efectos tan llamativos, y como no, a Jones, quién además de haber interpretado de las mil maravillas el tema, lo trabajó al pié de la letra para sus posteriores indagaciones como solista.

Que más puedo decir, una invaluable placa ancestral es ‘Led Zeppelín IV’, la más vendida de toda su discografía y … lejos… la más querida por todo el mundo, el mundo que amaba a una banda que le puso todo el condimento al Heavy metal y las infinitas ganas al arquetipo del roquero más crudo.

Por celz0mbie

Destacando una gran canción del disco número 4 de Led Zeppelin, presentamos "Misty Mountain Hop" en Ecos del Rock Blog.

Velvet Underground – ‘Velvet Underground & Nico’ (1967)

Ópera prima de esta banda New Yorkina que deslumbró a toda una década con experimentales rugidos sónicos. Producido por el artista plástico Andy Warhol (quién además participa como Manager de la banda), este álbum simbolizó todo un concepto pop de oscuras tentativas relacionadas al sexo y las drogas –mas que nada la heroína- especialmente.

Todo comienza cuando Lou Reed –quien tocaba la guitarra y el piano- y John Cale –que se especializaba en el bajo y la viola eléctrica- se conocen en un sello discográfico encargado de formar “bandas de laboratorio”. Allí deciden crear un fallido grupo llamado The Falling Spikes junto a Sterling Morrison –guitarrista-. Un día, a éste último le dio por comprar un ignoto libro onda sado-masoquista titulado ‘The Velvet Underground’ (escrito por Michael Leigh), y no fue hasta ese instante que decidieron cambiarle el nombre al conjunto, integrando además a la inexperta pero convincente baterista Maureen “Moe” Tucker. Querían grabar un disco de calidad, y ya habían compuesto algunos temas como “Venus in furs”, “Heroin”, “Wrap your troubles in dreams” y “The black angel’s death song”. El problema era que no tenían los materiales adecuados para tallar un buen disco, y les hacía falta algo de dinero. Por suerte, en uno de los limitados conciertos que habían otorgado, el famoso artífice pop Andy Warhol se identificó inmediatamente con su impopular estilo musical, tanto así que los contrató para que formaran parte de un gran espectáculo que Warhol tenía en mente. El artista de Art Pop le dijo a Reed y compañía que él se encargaría de que no les faltase nada con la condición de que integraran en la banda a la modelo alemana Christa Päffgen, más conocida como Nico. A la Velvet no le agradó mucho el cuento, sin embargo cuando vieron el billete aceptaron… no muy contentos… pero no les quedaba otra. Es que esta modelo no combinaba para nada con el histriónico estilo que la Velvet imponía con actitud dominante. No obstante, los genios de Reed y Cale lograron adaptar de muy buena forma algunos temas, como por ejemplo “Femme Fatale”, un hermosa tonada de admirable resultado. Por otra parte, Warhol, además, se encargó de elaborar la famosa carátula del álbum, con la célebre banana incorporada.

El disco tiene como abertura una increíble canción jamás inventada, ni imaginada, ni siquiera supuesta… “Sunday Morning”. Aquí Reed y Cale exprimen lo más dulce de sus mentes y dan forma a una bella melodía bañada en hermosos arreglos con el xilófono. Una joya de tema.

Las drogas son la constante principal de este álbum, tanto en la lírica como en el extraño resultado de ciertos tanteos sonoros. “I’m Waiting for the Man” es uno de dichos casos; se destaca por su directa letra netamente relacionada con el micro-traspaso de heroína, que asimismo ofrece un contagioso compás rockandrollero e influencias vocales de Dylan.

Como había mencionado anteriormente, “Femme Fatale” es una canción muy bien lograda, que denota una profunda sensibilidad por parte de Nico. Los graves de su sensual voz –para algunos- retumban en los parlantes junto a esa armonía en los tonos de su frecuencia que a más de alguna banda contemporánea, levemente, le da por resucitar.

La mística “Venus In Furs” nos invade con una hipnotizante propuesta cadenciosa, imposible es renunciar a terminar de oírla. Es así como nos quedamos atrapados en una anómala atmósfera, y nos preparamos a sacudirnos de cualquier manera con “Run Run Run”, enérgica composición de alocadas guitarras y dementes acoples melodiosos.

Nico vuelve a tomar el micrófono para interpretar la fascinante “All Tomorrow’s Parties”, con un estilo parecido al de “Venus In Furs”, pero con más magnetismo y subjetivo calado métrico.

“Heroin” es la gema dorada del álbum. Con un perfecto encajamiento en su expresiva lírica, Lou Reed desata una jugosa ensalada de afectivas palabras para su droga favorita, derramando toda esa pasión por la renombrada heroína. John Cale matiza de manera histérica con la viola eléctrica, concediéndole al resultado más excentricidad de la ya ostentada.

Reed y compañía se vuelven a calmar, invocando el aterciopelado ambiente que dejó “Sunday Morning”, y abriendo paso a la pasiva “There She Goes Again” y “I’ll Be Your Mirror”, bonitos ritmos que recuerdan a momentos dónde la lunática agresividad de Cale descansa… y son Reed y Nico quienes respectivamente se encargan de hacernos levitar sobre el piso con fáciles y accesibles consonancias, incluso hasta bailables, si se desea.

Pero el convulsivo demonio de Cale despierta y vuelve a hacer de las suyas con “The Black Angel’s Death Song” y “European Son”, material cimentado de perturbadas notas escogidas al azar, rellenas de tópicos referentes al sexo y el exceso de fármacos intoxicantes. A ratos tediosas, obligando al auditor adaptar una ardua paciencia para aguantar algunos acoples que retumban realmente horribles. Sin embargo, estas canciones son admirables, ya que forman parte del artífice módulo que formula nuevos intentos para orientar el estilo rock con nuevos y atrevidos vientos de cambio.

Acertado disco debut que en su época no tuvo mucho esplendor, pero que más adelante se transformaría en placa de culto para los melómanos más experimentados.

Por celz0mbie

Para seguir disfrutando de "The Velvet Underground & Nico", ahora presentamos "Heroin" en Ecos del Rock Blog.

"El Mes de la Patria lo Celebramos en Grande"

El Sábado recién pasado comenzamos celebrando el mes de la patria

presentando uno de los grupos más grandes de la historia de Chile en el programa, se trata de "Los Tres", con Rompe Paga y Dos en Uno.

En el próximo programa, seguiremos dándole fuerte a las bandas chilenas, ya que estaremos con un contacto en directo con "Los Bunkers", conversando un poco sobre su actual carrera, en lo que se vendrá con su nuevo disco y muchas cosas más.

También nos informaron que pronto se viene "Sinergia" con todo el power en Ecos del Rock, en vivo para todos los auditores de los sábados a las 6.
Como es de costumbre, estaremos haciendo especiales, pero esta vez no será de Led Zeppelin o The Beatles, sino que se viene todo el rock nacional con bandas de todos los tiempos que aún están en la memoria de nuestros padres y que nosotros daremos a conocer a toda la juventud para que conozcan las raíces chilenas.

A continuación los dejamos nuevamente con un canción, pero ésta vez no se trata de guitarras saturadas o bajos envolventes, sino que de cuerdas, contrabajos, acordeones y mucho más con una cuequita chilena tocada por "Los Tres" junto al gran "Lalo Parra" con La Vida que yo he Pasado en Ecos del Rock blog.